Uusi elokuva osuu kriittiseen kokoelmapaikkaan Rotten Tomatoes, ja se ylläpitää täydellistä 100% tuoretta pistemäärää jopa alkuperäisen 25, 50, ehkä jopa 75 arvostelun jälkeen. Sen jälkeen siitä tulee odotuspeli sivuston seuraajien keskuudessa, koska he päivittävät selaimensa toistuvasti koko päivän ajan nähdäkseen, mikä kriitikko uskaltaa lyödä sen 99 prosenttiin Rotten-arvion avulla. Kun se tapahtuu, keskustelu alkaa. Onko tämä kriitikko rehellinen? Vai onko tämä kriitikko vain hölynpölyä! - Kontraristi, lyömällä elokuvaa ylevältä ahvenaltansa puhtaasti muutaman hetken Internet-surullisuuden (ja sivun katselujen) vuoksi?
On mahdotonta sanoa, vaikka haluaisimme erehtyä arvioijan eheyden puolella. Joka tapauksessa tämä yksimielisyys, joka seisoo enemmistöä vastaan, ei ole tuskin uusi ilmiö, koska edes menneisyyden klassikot - elokuvat, jotka ovat jatkuvasti esiintyneet keskusteluissa kaikkien aikojen suurimmista elokuvista - saivat levottomia arvosteluja täältä. Mielenkiintoista on, että monet näistä arvosteluista ovat säilyneet (linkkien kautta) Rotten Tomatoesissa, vaikka ne ovat olleet vuosikymmeniä vanhoja.
Onneksi monet elokuvateatterien tunnustetut mestariteokset - kuten Citizen Kane, All About Eve, Singin 'in the Rain ja The Maltese Falcon - pitävät ansaitsevasti 100% tuoretta luokitusta sivustolla. Muut helmet eivät ole aivan niin onnekkaita. Tässä on siis 16 elokuvaa, joista sinun on järkyttynyt oppiaksesi, että sinulla ei ole 100-prosenttisesti mätää tomaattia.
16 TAPAUTTAMALLA RAKASTUS (91%)
Gregory Peckin Oscar-palkittu esitys asianajajana Atticus Finch on 1962-luvun To Kill a Mockingbird -kallion kallioperä. Yksi niistä harvoista tapauksista, joissa elokuva kaappaa lähdemateriaalinsa ydin vaarantamatta sitä. Upea katsaus lasten ainutlaatuiseen tapaan tarkastella ympäröivää maailmaa, Harper Leen Pulitzer-palkinnon saaneen romaanin mukautus saa Atticuksen tyttären Scoutin (Mary Badham) oppimaan arvokkaita elämäntunteja seuraamalla hänen isäänsä puolustamasta mustaa miestä (Brock Peters) vilpillisiä raiskaussyytteitä vastaan pienessä eteläisessä kaupungissa.
Elokuvan julkaisuhetkellä Andrew Sarris tarjosi raikkaan arvion Village Voice -nimessä, kutsuen sitä “yliarvioituksi temppuelokkoksi” ja totesi, että “neegi on vähemmän pyöreä hahmo kuin liberaali konstrukti
äärettömän jalo kuin hänen valkoisten roskiensa syyttäjät [ja] uskomattoman puhdasta sydäntä. " Analysoidessaan (ehkä epäoikeudenmukaisesti) elokuvaa modernista näkökulmasta, Roger Ebert vietti vuoden 2001 katsauksensa suurelta osin pilaamalla sitä, mitä hän piti naiivisuutena, etenkin kohtauksissa, joiden mukaan hänen mukaansa voidaan nyt vain kohdata kylläinen kyynisyys.
Kuten sanoin, tappaa Mockingbird on aikakapseli. Se ilmaisee viattomamman ajan liberaalit pietit."
15 TULEVAISUUTEEN (94%)
Sosiaaliselta kannalta tämä Margaret Mitchellin bestsellerin vuoden 1939 mukautus on juurtunut kiistoihin. Yhdessä DW Griffithin kansakunnan syntymän kanssa, Gone with the Wind on elokuva, joka on vastuussa rasismin pahojen valkaisemisesta ja romanisoidun näkemyksen muodostamisesta Vanhasta Etelästä, joka on maukas koko kansakunnalle. Pelkästään elokuvan näkökulmasta tämä draama eteläisen perheen taisteluista sisällissodan aikana on aito aarre, innostava eepos, jolle on tunnusomaista henkeäsalpaavat saavutukset puhtaassa elokuvien tuotannossa. On selvää, että kriitikot ovat aina reagoineet voimakkaammin sen tekniseen kykyyn kuin sen aihekohtainen kipeä kohta, koska sitä on jo pitkään puhuttu yhdeksi Hollywoodin hienoimmista saavutuksista.
Siellä on ollut muutama toisinajattelija. Arthur Schlesinger, joka tarkistaa elokuvan sen vuoden 1973 uudelleen julkaisun aikana, kirjoitti Atlantilla, että sitä rasittaa "epämieluisen sentimentaalisuuden kuori". Se pyrkii oopperaan ja saavuttaa saippuaoopperan. Se on reikä. ” Schlesingerin Atlantic-kollega Richard Schickel, joka kiinni myös vuoden 1973 uudelleenjulkaisusta, katsoi edelleen, että elokuva on ”uteliaasti eloton - enimmäkseen puhetta, ja siinä on erittäin kukkaista puhetta”. Hän hylkäsi sen ”kiiltävänä, sentimentaalisena, naurahtaa”.
14 SE ON Upea elämä (94%)
Frank Capran teoksessa 1946 Se on ihmeellinen elämä James Stewart antaa väitetysti parhaan esityksensä kunnollisena George Baileynä, joka vaatii jonkin verran taivaallista väliintuloa auttaakseen häntä selviytymään siitä, mitä voidaan kuvata vain hänen sielunsa tummaksi yöksi. Se on Ihana Elämä, jolla on voima siirtää katsojat kyyneliin, ja se ei tapahdu räikeällä nappipainikkeella vaan osoittamalla rehellisesti, kuinka ihmisen elämä on todella jotain juhlittavaa.
Capran rikkojat kutsuvat hänen kuviaan usein "Capracorniksi", ja tämä halventava termi löytyy Manny Farberin elokuvan poistamisesta Uudessa tasavallassa. Kuten hän sanoo, "Se on Wonderful Life, viimeisin esimerkki Capracornista, näyttää hänen taiteensa hysteerisellä kentällä." Sitten Farber arvostelee ohjaajan "absurdi-liian yksinkertaistettua karakterisointia ja sietämätöntä hassua".
13 Yksi lento kakuton pesässä (95%)
Huomattavana yhtenä vain kolmesta elokuvasta, joka voittaa kaikki viisi suurta akatemiapalkintoa (muut tapahtui yhtenä yönä ja Karitsien hiljaisuus), vuoden 1975 One Flew over the Cuckoo's Nest on yhtä loistava kuin komedia, draama ja sosiaalinen kritiikki.. Jack Nicholson on sensaatiomainen kuin Randle McMurphy, live-johto, joka väärennetään mielisairautta ja päätyy instituuttiin, jota johtaa diktatuurinen sairaanhoitaja Ratched (Louise Fletcher).
Kaksi osavaltion suurten peruukkien, New York Timesin Vincent Canby ja TIME-lehden Richard Schickel, molemmat panoroivat elokuvaa julkaisunsa yhteydessä, vaikka brittiläisen kirjailija Kenneth Robinsonin vuonna 1976 suorittama The Spectator -katsaus näytti kaikkein hysteerisimmänä - molemmissa aikoissa. sana.
Epäoikeudenmukaisesti paljastaen McMurphyn lopullisen kohtalon ensimmäisessä kappaleessa, Robinson jatkaa kutsuvan elokuvaa ”inhottavaksi” ja ”tuhoisasti kauheaksi” ennen päätelmäänsä, että ”lukuun ottamatta joitain erittäin hyviä esityksiä, elokuvalla ei ole mitään tarjottavaa minulle - lukuun ottamatta jatkuvaa tunnetta pahoinvointi."
12 SCHINDLERIN LUETTELO (96%)
Steven Spielbergin vuoden 1993 holokaustdraaman vahvistuminen jalansijaan elokuvateattereissa ei kestänyt kauan. Sen määräävä asema kriitikkojen vuoden lopussa 10 parhaassa listassa annettiin, samoin kuin sen Akatemian palkinto parhaassa kuvassa. Mutta se oli vuonna 1998, että Schindler's List todella kumarsi lihaksia hetkessä klassikkona. Vain viisi vuotta elokuvan julkaisemisen jälkeen American Film Institute sijoitti sen numero 9 kaikkien aikojen 100 suurimman amerikkalaisen elokuvan luetteloon, ja vuoden 2007 luettelon uudelleenmuokkaaminen siirsi sen loven yläpuolelle numeroon 8.
Kuitenkaan kaikki arvioijat eivät olleet pelästyneitä Spielbergin saavutuksiin. Yksi toisinajattelija oli People Magazine -lehden Joanne Kaufman, jota kritisoitiin saksalaisen sotaprofessorin Oskar Schindlerin (Liam Neeson) keskeisen hahmon kanssa, joka pelasti yksin tuhansia juutalaisia tuhoamisesta. Kuten Kaufman kirjoitti, ”Elokuva ei koskaan selitä menestyksekkäästi sitä, mikä ajaa Naes-puolueen jäsenen, tähän mennessä huomattavan miehen ja rehellisesti sanottuna hiukan kadin ja sian, sellaiseen mielen ja sydämen muutokseen ja loistaviin sankaritekoihin. [H] on epifenomenaalinen hetki
näyttää ohuelta ja kärsivälliseltä. ”
11 ANNIE HALL (97%)
Vuosien jälkeen tuotettua kuvia vain sydämellisen naurun laukaisemiseksi Woody Allen jatkoi elokuvantekijäkseen yhdessä 1977-luvun Annie Hallin kanssa, joka on vertaistuoton seriokomedia, jossa neuroottinen Alvy Singer (Allen) pohtii suhdettaan yhtä neuroottiseen Annie Halliin (Diane Keaton). Kriitikot, yleisö ja Akatemian jäsenet ottivat innostuneesti vastaan elokuvan, eikä Allenia enää pidetty tervetulleena vain kirkkaana koomikkona, vaan myös taiteellisena neroena.
Juuri Allenin kyky kääntää uransa nurkkaan johti Washington Postin Gary Arnoldiin ilmaisemaan surunsa elokuvan kanssa. "Sen jälkeen kun slapstick farssi on niin runsas ja hilpeä kuin Sleeper ja Love and Death, Annie Hall tulee pehmeäksi, sumeaksi, lievästi ohjaavaksi pettymykseksi", hän kirjoitti. ”Vaikka hauskoja linjoja ja tilanteita on, ne ovat yleensä hajallaan. Henkilökohtaisesti tunnen muutoksen Allenin lähestymistavassa riistäytymisenä sekä emotionaalisesti että tyylillisesti. ”
10 PSYCHO (97%)
Kaikkia päälliköiden elokuva ei kuitenkaan sähköistynyt. TIME katsoi myös tätä, vaikkakin Robert Hatch of The Nation oli erityisen innostettu kuvasta. "Olen loukkaantunut ja inhoan", hän paljasti. ”Psykopatologian kliiniset yksityiskohdat eivät ole merkitystä triviaalisen viihteen kannalta. Psyko asettaa sinut kumihihnantamiseen sairaan mielen kauhuihin; se saa sinut tuntemaan saastaisuutensa. ”
9 JAWS (97%)
Steven Spielberg uskoi Peter Benchleyn mahtavaan bestselleriin Uuden-Englannin valtameren yhteisöä terrorisoivasta suuresta valkoisesta haista, ja työskenteli erittäin ohuen lähdemateriaalin kanssa. Kun vyöllä oli vain yksi toinen näytön hyvitys (1974 The Sugarland Express), katastrofipotentiaali oli valtava - varsinkin kun mekaaninen hai ei toiminut suurimman osan ajasta!
Ohjaaja, joka vei kirjaan parantuneesta käsikirjoituksesta, muokkasi lopulta klassisen 1975-luvun Jaws-elokuvalle, jonka suurin osa menestyksestä johtuu Spielbergin loistavasta orkestroinnista jännittäville sarjalle ja sokkosekvensseille.
Los Angeles Timesin kriitikko Charles Champlin myönsi, että hain sekvenssit tehtiin "väliaikaisesti", mutta nimitti kuitenkin Jawsia "karkeasisäiseksi ja hyväksikäyttäväksi teoksi, joka riippuu sen vaikutuksen ylimääräisestä". Ihaillessaan Roy Scheiderin ja Richard Dreyfussin esityksiä hän huomautti, että ”Rannalla se on reikäinen, hankalasti lavastettu ja kevyesti kirjoitettu. [Se] on melodrama, laaja ja ilmeinen."
8 ARABian laki (97%)
David Leanin vuoden 1962 eeppistä Arabian Lawrencea on pitkään pidetty yhtenä kaikkien aikojen suurimmista elokuvista, ja sen asema ulottuu kaukana kriittisestä yhteisöstä. Sen lukuisiin tunnustuksiin kuuluu seitsemän Academy Award -voittoa ja ylevä sijoitus (# 7) AFI: n vuoden 2007 100 parhaan elokuvan listalle. Peter O'Toole: n osalta kaikki ovat yhtä mieltä siitä, että hänen tähtensä tekevä esiintymisensä brittiläisen seikkailijana TE Lawrence on virheetön.
Tee siitä melkein kaikki. Yksi Britannian elokuvainstituutin julkaisun The Monthly Film Bulletin, joka myöhemmin tuli osaksi vaikutusvaltaista Sight & Sound -lehteä, henkilöstökriitikot kirjoitti, että ”Peter O'Toole: n suorituskyvystä, miellyttävästä, älykkäästä ja omistautuneesta puuttuu täydellinen tähtilaatu, joka nostaisi elokuvan sen mukana."
New York Timesin Bosley Crowther säästi tällä Atlantin puolella O'Toolea, mutta ei elokuvan kohtelusta hahmoaan, väittäen, että elokuva “pienentää legendaarisen hahmon tavanomaiseen elokuvan sankarin kokoon upeiden ja eksoottisten maisemien keskellä, mutta tavanomaisen paljon toiminta-elokuvakliisejä. ”
7 CASABLANCA (97%)
Bogart ja Bergman Rick ja Ilsa. Laszlo ja passituskirjeet. Kapteeni Renault ja hänen viehättävä korruptoituneisuutensa. "Ajan myötä." "Tässä katsot sinua, poika." Tiedät rutiinin. Joten pyöritä 1942-luvun Casablancan tavanomaiset tunnustukset, joiden asema yhtenä Hollywoodin suosituimmista - ja lainattavimmista - kuvista pysyy vähitellen ajan myötä.
Casablanca oli tyytyväinen kriitikkoihin ja napasi parhaan kuvan Oscaria, mutta TIME-lehden kurkkuilla ei ollut sitä. Lehden viikoittaisella uusien julkaisujen kierroksella osoitettu kriitikko käytti pääosin katsaustaan kommentoidakseen näyttelijöiden fyysisiä esiintymiä - Ensinnäkin Bogart "näyttää siltä, että Buster Keaton pelaa Paul Gauginia", kun taas lempeän SZ Sakallin "tulisi harkita kasvonsa pitämistä rintaliivit ”- ennen kuin pääteltiin:” Mikään muu kuin hyökkäys ei voisi lisätä paljon Casablancalle ”. On vaikea kuvitella, että kukaan suhtautuisi tähän arvosteluun vakavasti, koska kriitikko viittasi toistuvasti viikolla käsiteltyjen uusien elokuvien (Once Upon a Honeymoon) kirjoittaessaan toistuvasti Cary Grantia "Gary Grantiksi".
6 kerralla lännessä (98%)
Sergio Leonen oopperatarkastaja pysyy merkittävänä monien saavutusten suhteen, mukaan lukien Hollywood-sankarin Henry Fondan valu kylmäverinen tappaja ja tapa, jolla visuaalit sopivat kauniisti Ennio Morriconen poikkeuksellisiin partituureihin (Morricone sävelsi musiikkinsa ennen kuin Leone aloitti kuvaamisen). Mutta vain muissa maissa yleisö sai nauttia tämän 1968-klassikon kaikista 165 minuutista, koska seuraavana vuonna Yhdysvalloissa julkaistu versio leikattiin 20 minuutilla. Vasta huomattavasti myöhemmin koko leikkaus saatiin saarelle.
Roger Ebert tarkisti kuvan, kun se osui ensimmäistä kertaa Yhdysvaltoihin vuonna 1969, ja kyllä, pituus johti hänen haaleaan arvosteluun. Vaikka hän myöntää, että elokuva on ”hauskaa” ja että sillä on eroa ”mielenkiintoisilla esityksillä”, hän valitti myös tosiasiaa, että ”elokuva jatkuu melkein kolme tuntia väliajoin ja antaa kaksi väärää hälytystä ennen kuin se lopulta loppuu”.
5 KORVAAN PÄIVÄN YÖ (98%)
Julkaistuna osavaltion alueella elokuussa 1964, kuusi kuukautta sen jälkeen kun The Beatles legendaarisesti esiintyi Ed Sullivan Showssa, ohjaaja Richard Lesterin maamerkki Kova päivän yö näyttää dokumenttielokuvalta, kuulostaa musikaalilta ja tuntuu komedialta. Johnny, Paul, George ja Ringo kohtaavat tällä hetkellä jäädytetyn kuvan ajankohtana vain niin paljon kuin täydellisiä viattomia, jotka ovat valmiita jakamaan iloisen äänensä maailman kanssa. Koska niin monta klassista bittiä kaadetaan näytöltä hullua kiireessä, ei ole ihme, että Village Voice -kriitikko Andrew Sarris kuvasi elokuvaa tunnetusti "jukebox-musikaalien Citizen Kane -elokuvana".
Kylääänen toinen kriitikko Jonas Mekas oli eri mieltä ja hän jopa käytti arvosteluaan viedä Sarrisin tehtävään. "Vain yksi, joka on täysin tietämätön" uuden amerikkalaisen elokuvan "elokuvantekijöiden työstä kolmen viime vuoden aikana, voi kutsua kovan päivän yöksi, jopa leikillään, kädessä pidettävän elokuvan Citizen Kaneksi (Sarris teki sen)." Itse kuvan suhteen Mekas ryhmittyi: ”Hyvä näyttelijä tai hyvä valokuvaus eivät voi tehdä hyvää elokuvaa.
Parhaimmillaan se on hauskaa. Mutta 'hauska' ei ole esteettinen kokemus: hauskanpito pysyy pinnalla."
4 KIINATTU (98%)
"Unohda se, Jake. Se on Chinatown." Tämä kuolematon linja riittää tekemään minkä tahansa elokuvalle rakastavan, mutta silti se on vain yksi lukemattomista klassisista hetkistä tässä 1974-luvun neo-noir-mestariteoksessa, jonka ovat ohjannut Roman Polanski, käsikirjoittaja Robert Towne ja tähti Jack Nicholson; Los Angeles, joka osallistuu labyrinttiin, joka liittyy murhiin ja poliittiseen korruptioon.
Se tosiasia, että Chinatown ansaitsi ikäkavereidensa ihailun ja napasi myöhemmin 11 Oscar-ehdokkuutta (voitti parhaan alkuperäisen käsikirjoituksen), ei vaikuttanut Gene Siskeliin, joka kirjoitti Chicago Tribune -lehdessä löytäneensä elokuvan ”tylsiä alusta alusta juuri ennen loppua. Suurin osa ongelmista löytyy Polanskin suunnasta. Lähes jokaisen kohtauksen avauskuva on ollut niin keinotekoisesti yliarvioitu, että saadaan tietoiseksi Jack Nicholsonista, joka käyttää 30-luvun vaatteita seisoessaan huoneessa, joka on sisustettu 30-luvun huoneeksi, ja puhuu stereotyypeistä, jotka on kerätty 30-luvun elokuvien valikoimasta. ”
3 Lelu tarina 3 (99%)
Pixarin kestävin franchising veti melkein hattu tempun, mutta lopulta se tuli yhden prosenttiyksikön lyhyeksi. Varmasti on vaikuttavaa, että vuoden 1995 Toy Story on saanut 100% tuoreen arvosanan 78 arvion perusteella. Ja on huomattavaa, että vuoden 1999 Toy Story 2 ylläpitää samoin 100% tuoretta arviota 163 arvosanalla. Mutta lähes 300 arvostelut, kertoimet olivat dramaattisesti pinoa vuoden 2010 Toy Story 3, joka ei löytänyt muutama toisinajattelija joukossa.
Tärkein näistä näyttelijöistä oli tietysti entinen New York Press -arvioitsija Armond White, jonka online-tunnus sopimuspuoliksi johtui pääosin hänen elokuvansa pelaamisesta. Samana päivänä, kun hän lähetti kiireellisen katsauksen Jonah Hexistä (”True art”), White panned Toy Story 3 ”kyllästyneenä pelinä, jonka vain aivopesut ostavat. Lisäksi Transformers 2 [Transformers: Fallenin kosto] on jo tutkinut samaa juontia suurempaan jännitykseen ja ylenpalttisuuteen."
2 JUMALAISU (99%)
Elokuvalävittäjät kiistelevät edelleen siitä, onko Francis Ford Coppolan Kummisetä tai Kummisetä: Osa II trilogian paras (1990-luvun Kummisetä: Osa III ei koskaan käy keskusteluun), ei voida kiistää, että ensimmäinen elokuva teki enemmän vaikutelman kuin sen vuoden 1974 seurannassa. Vuonna 1972 julkaistu Godfather rikkoi lipputulot, elvysi Marlon Brandon uran, teki tähden Al Pacinosta ja muutti "Aion tehdä hänelle tarjouksen, jota hän ei voi kieltäytyä" kaikenkaikkiseksi elokuvan tarjoukseksi. Kumpikaan elokuva ei kuitenkaan voi vaatia 100-prosenttista arvosanaa Rotten Tomatoes, osa II on 97% tuore ja alkuperäinen 99% tuore.
Ainoa negatiivinen arvostelu The Godfather -tapahtumasta RT: lle tulee New Republic -kriitikolta Stanley Kauffmannilta, joka keskittyi pääosin Brandon esitykseen. ”En näe, kuinka kukaan lahjakas näyttelijä olisi voinut tehdä vähemmän kuin Brando tekee täällä. Hänen asuva voimansa, pelkkä luontainen voimansa on harvoin tuntunut heikommasta. ” Kauffmann ei säästynyt muihin osallistujiin väittäen, että Pacino "rappisee noin häntä liian vaativassa osassa" ja Coppola "on pelastanut kaiken rajoitetun kekseliäisyytensä ampumiselle ja kuristimille, jotka ovat pahimpia mitä muistan."
